Visitar la Galería Uffizi en Florencia: Puntos destacados

Para los amantes del arte, la Galería Uffizi es la atracción número uno en Florencia. Los turistas más casuales, ya sea que visiten la galería de manera independiente o en un tour guiado, al menos querrán ver sus puntos destacados, incluyendo su obra más famosa: El nacimiento de Venus de Botticelli.

Aparte de su tamaño, quizás lo más asombroso que se puede saber antes de visitar la Galería Uffizi es que esta fue una colección privada de una sola familia, y solo una parte de ella. Más arte invaluable está guardado en sus otros palacios y villas.

Más allá de los coleccionistas, los Medici fueron grandes mecenas del arte, y sin su patrocinio, muchas de estas obras nunca habrían sido creadas. En algún momento de su recorrido, deténgase para un breve gesto de agradecimiento a la mujer que aseguró que esta gran colección, y las otras obras de arte de los Medici, se quedarían aquí en Florencia.

Las colecciones fueron legadas a la ciudad por Anna María Ludovica von der Pfalz, la última heredera de la casa de Medici, quien murió en 1743. Y ella estipuló que debían permanecer en Florencia.

La Uffizi contiene una de las colecciones de pinturas más importantes del mundo. Además del arte florentino e italiano, también incluye un gran número de obras extranjeras y esculturas clásicas.

Su mayor tesoro es la colección única de la pintura del Renacimiento florentino, una parte vital de la contribución de esta ciudad al arte europeo. Estas obras, que datan de aproximadamente 1300 a 1500, sentaron las bases para todo el arte occidental que siguió.

En esta guía, encontrará los puntos destacados de los tesoros de la Uffizi, siguiendo el mismo orden que la propia guía del museo. Las obras de arte se muestran en orden cronológico según cuándo fueron pintadas, comenzando con la Sala 2 en el segundo piso de la Uffizi.

Sin embargo, más allá de la Sala 13, la galería octagonal en la Tribuna, las obras ya no están en orden cronológico sino según escuelas, regiones y países. Cubren obras desde aproximadamente 1500 hasta 1700.

El proyecto "Nueva Uffizi" está en curso, con obras de arte siendo trasladadas a otras galerías, algunas galerías cerradas por renovación y nuevas secciones abiertas, así que mientras el museo está en transición, algunas de las pinturas pueden no estar en el orden o en las galerías descritas aquí. Asegúrese de obtener un mapa actual de la galería en el momento de su visita. Pero la mayoría de los aspectos más destacados de las colecciones estarán en exhibición, y a medida que recorra las galerías de la Uffizi, puede usar esta guía para seguir el desarrollo de estilos artísticos y la finura, desde las primeras representaciones bidimensionales, simétricas y estilizadas hasta retratos realistas que parecen listos para salir del lienzo.

Notará que los escenarios también cambian, volviéndose más naturales y escénicos, así como más realistas. Encontrará la Uffizi más que solo una atracción turística y uno de los importantes lugares para visitar en Florencia, sino un fascinante curso en la historia del arte.

La Sala 2 de la Uffizi reúne tres grandes Madonnas de alrededor de 1300, ilustrando el debut del arte toscano y uno de sus primeros puntos altos. Estas tres pinturas, vistas juntas, son la mejor introducción que podría pedir, tanto a la Uffizi como al arte renacentista.

Madonna Entonada de Cimabue (ca. 1275) sigue completamente en la tradición bizantina de pintar a la Virgen, quien se asemeja a una estatua, al margen de la realidad y rodeada de ángeles dispuestos simétricamente. El Niño Cristo de Cimabue está vestido como un general romano, y no hay signo de ningún tierno intercambio entre madre e hijo.

En contraste, Madonna Entonada de Duccio (1285) muestra más movimiento, con colores suaves y líneas fluidas, pero aún etérea y distante.

La primera aparición de una vista humana y realista está en la Madonna Entonada por Giotto (ca. 1310). El trono parece casi al alcance, las figuras tienen peso y solidez, estableciendo contacto visual entre sí y con el espectador.

Giotto fue el primer artista en representar a la Virgen como una mujer con una presencia física, e incluso sus figuras menores son animadas y tienen diferentes expresiones faciales. Se aleja de los colores más apagados del arte bizantino, pero los fondos siguen siendo de oro tradicional.

Sin embargo, el logro más importante y histórico de Giotto fue su composición. Fue el primer pintor en crear un espacio bien definido que considera el ojo del espectador, y su composición piramidal creó un modelo que duraría siglos.

El estilo más personal y realista de Giotto conduciría a un verdadero Renacimiento en el arte. A partir de ese momento, la pintura sería un arte por derecho propio, finalmente superando a la escultura.

Las siguientes galerías muestran cómo otros pintores estaban cambiando de las viejas normas. Aunque la Anunciación (alrededor de 1333) del artista sienés Simone Martini y su cuñado Lippo Memmi todavía es muy gótica en estilo, ya muestra la transición hacia un Nuevo Realismo.

El entorno, con sus torretas y frontones, resuena con la arquitectura gótica, pero la prenda que ondea del ángel y la Virgen muestran gran refinamiento y elegancia. Los movimientos tienen ternura y sensibilidad, pero las delicadas imágenes femeninas siguen siendo casi etéreas.

Entre otros ejemplos sieneses del siglo XIV se encuentran la Madonna en Gloria (1340) de Pietro Lorenzetti, un seguidor de Giotto, y escenas de la vida de San Nicolás de Ambrogio Lorenzetti, notables por sus intentos de usar perspectiva.

Los seguidores florentinos más prominentes de Giotto aquí mostrados son Bernardo Daddi (fallecido en 1348) y Taddeo Gaddi (fallecido en 1366), cuyas pinturas de altar utilizan colores delicados y líneas suaves y graciosas para mostrar a las personas y escenarios de manera más realista.

El gótico siguió dominando el arte en el temprano siglo XV, pero aunque la Adoración de los Magos (1423) de Gentile da Fabriano aún transmite el ideal gótico de belleza, su ostentosa atención al detalle marca la transición temprana del gótico al renacimiento.

También puede ver en el fondo, bajo los arcos del elaborado marco del altar, los comienzos de un intento de mostrar perspectiva a medida que la procesión se vuelve más pequeña y casi desaparece en el horizonte. Esta se considera su obra maestra y la esencia de la pintura gótica internacional.

El contemporáneo de Fabriano, Masaccio, revolucionó aún más el arte de la perspectiva en sus esfuerzos por crear tres dimensiones en una superficie bidimensional. Madonna y Niño con San Ana (ca. 1420), pintado con Masolino, es una de sus primeras obras.

Él se encuentra junto a Brunelleschi y Donatello como uno de los fundadores del Renacimiento, una nueva experiencia artística en la realidad, basada en la observación y el registro preciso de la naturaleza. Puede ver esto en el modelado parecido a un relieve y la belleza natural realista de los rostros y figuras en el retablo de Masaccio.

También busque Coronación de la Virgen de Fra Angelico, el monje dominico que fue contemporáneo de Masaccio, y cuyo concepto religioso místico del arte lo lleva en la dirección opuesta. Pero él estaba innovando de otras maneras. Si bien todavía utiliza fondos dorados y figuras etéreas drapeadas, los ricos colores de Fra Angelico y la disposición circular de figuras crean una perspectiva pictórica unificadora.

Abandonando la convención anterior de un fondo dorado para un retablo, en esta obra de 1445, Veneziano lleva la perspectiva a nuevas alturas al colocar a los santos armónicamente en un semicírculo, y realza el efecto de profundidad por los patrones geométricos del mármol inlayado.

Su principal innovación, sin embargo, vino como maestro de la luz y sombra realistas. Sus finas matices y delicados tonos de color estaban muy por delante de las áreas sólidas de color fuerte utilizadas por sus contemporáneos florentinos. El uso de luz y colores de Veneziano influyó en el trabajo de Piero della Francesca, quien a menudo colaboró con él.

La pintura de retratos fue otro foco para el arte renacentista temprano, y uno que mantenía contentos a los mecenas. Retratos del Duque y la Duquesa de Urbino de Piero della Francesca, de alrededor de 1465, son un buen ejemplo.

Pero Piero della Francesca no halagó a sus retratados, mostrando la nariz aquilina del duque, arrugas, labios delgados y una complexión robusta. Observe el fondo, un raro ejemplo de paisaje renacentista temprano.

Más parecido a un retrato que al arte religioso es Virgen y Niño de Filippo Lippi (ca. 1460), una María elegantemente vestida con dos ángeles sonrientes, una escena que muestra afecto y contacto visual entre madre e hijo, que refleja interpretaciones cada vez más secularizadas de temas religiosos.

La Sala 9 presenta enormes paneles de las Siete Virtudes, de Piero del Pollaiolo. En realidad, Piero pintó solo seis, la séptima es una de las primeras obras de Botticelli.

Lo que te lleva a la Edad de Oro de Florencia y a una de sus estrellas más brillantes, Botticelli. Junto con su propia autoengrandección, los patricios florentinos estaban intensamente interesados en la literatura y filosofía clásica, y las obras más famosas de Botticelli, Nacimiento de Venus y Primavera, ambas comisionadas por un Medici, reflejan esto.

En el Nacimiento de Venus (1482/1483), Botticelli combina el pensamiento clásico y cristiano en términos de ideas renacentistas, como un renacimiento del espíritu de la mitología clásica y la teología cristiana. Pinta un desnudo femenino modelado en una estatua clásica de la diosa del amor Venus, e insinúa un bautismo cristiano (como Cristo es bautizado en el Jordán).

Compara este pensamiento florentino con el Entierro de Rogier van der Weyden (ca. 1450) y el Retablo Portinari de Hugo van der Goes, ambos en la misma sala, para apreciar cuán ampliamente estas ideas florentinas difieren de las del norte de Europa. Allí, un desnudo sería impensable, y las figuras están ocultas en drapeados.

Botticelli pintó el retablo La Adoración de los Magos alrededor de 1475 cuando tenía unos 30 años, y la comisión incluía retratar a miembros de la familia Medici y sus asociados entre los espectadores.

Organizó al grupo en una pirámide con la sagrada familia en su cúspide, debajo de ellos los tres reyes - los tres más altos rangos Medici - y por debajo de ellos en orden de rango más Medici y sus amigos. El tema real parece retroceder al fondo, sirviendo más como un pretexto para una magnífica representación de los Medici y sus seguidores.

Leonardo da Vinci vivió en una época de descubrimiento científico que cuestionaba los relatos bíblicos como el único modelo para explicar el universo. Un rasgo principal de su trabajo, ya sea pintura o escultura, fue traer la naturaleza a su obra de una manera que hacía más creíbles los temas religiosos místicos en un mundo que estaba rápidamente tomando conciencia de la ciencia. En esta obra temprana, muestra las alas del ángel como alas de pájaro realistas cubiertas de plumas.

Leonardo también captura sensible la atmósfera de su tiempo en la Adoración de los Magos (1481). En el centro de esta imagen inacabada, la Madonna y el niño aparecen como una influencia estabilizadora, rodeados de una masa agitada de personas que saludan el nacimiento con asombro y maravilla o con duda y miedo. En lugar de un cuento popular, la Natividad adquiere una nueva dimensión de redención mundial.

La Sala 16 es la última en la primera parte del recorrido de la Uffizi, que está dedicada al arte florentino y toscano de 1300 a 1500, en su mayoría en orden cronológico. El arte del posterior Renacimiento italiano sigue en la Sala 25 en adelante, organizado según escuelas de pintura.

Tenga en cuenta que varias de estas galerías están actualmente cerradas por renovación, y no todas las obras pueden estar exhibidas o pueden haber sido trasladadas a otras galerías. Es importante obtener un mapa actual de la galería en el momento de su visita.

En el centro de la impresionante octagonal Tribuna, en sí misma una obra de arte, se encuentra la Venus Medici, la escultura de mármol clásico más famosa de Florencia y considerada una versión tardía griega de la Afrodita de Cnido de Praxíteles.

En las paredes hay retratos manieristas de la familia Medici de mediados del 1500, los más destacados por Pontormo, Bronzino y Vasari. Pietro Perugino, un estudiante de Verrocchio y maestro de Rafael, está representado por Madonna con Santos y varios retratos que muestran su realismo tridimensional y color apagado que allanarían el camino para el arte clásico del Alto Renacimiento.

Asimismo, la turbulencia y color del estilo de Luca Signorelli, como verá, su Sagrada Familia (ca. 1495) y Madonna y Niño, por otro lado, muestran mucha más turbulencia y movimiento, una influencia en el joven Miguel Ángel.

Al mismo tiempo que los pintores florentinos y otros italianos estaban cambiando el mundo del arte, los artistas alemanes estaban entrando en su propio Renacimiento, como verán en obras maestras de Albrecht Dürer.

En la Adoración de los Magos (1504), Dürer muestra su comprensión tanto de la perspectiva como del juego de luces en el drapeado de la ropa. Utiliza colores brillantes en primer plano para promover aún más la ilusión de perspectiva. Al igual que otros artistas alemanes y del norte de Europa, incluye una riqueza de detalles y se esfuerza por un realismo meticuloso.

El artista de Núremberg también está representado por su Virgen y Niño (1526) y por una de sus primeras obras aún existentes, Retrato del Padre (1490).

Las obras del artista alemán Lucas Cranach incluyen su retrato de Martín Lutero y su esposa Katharina, un autorretrato, un impresionante Melanchthon y un bastante erótico Adán y Eva.

La pintura veneciana, caracterizada por su suave color y luz equilibrada, está representada por Allegoría Religiosa de Giovanni Bellini (ca. 1485) y por el Retrato de un Jinete Maltés de Giorgione.

También representan el arte del Alto Renacimiento en el norte de Italia obras religiosas de Antonio Allegri, mejor conocido como Correggio, cuyas composiciones diagonales, efectos de luz y profundidades inusuales de perspectiva tuvieron una influencia duradera en la pintura barroc.

Sagrada Familia de Miguel Ángel (1504/1505), conocido como el Doni Tondo, carece de cualquier sentimiento religioso, la familia aparece como tallada de un bloque y mostrando la fuerte background artístico de Miguel Ángel en escultura.

En esta pintura, verá indicios de su obra maestra en el techo de la Capilla Sixtina en la profusión de figuras desnudas y los colores brillantes e iridiscentes. El año de la muerte de Rafael (1520) marcó el inicio del Maneirismo, la fase tardía del Renacimiento que duró hasta aproximadamente 1600.

Su alejamiento de los estilos clásicos incluía formas y colores no naturales, evidenciado por la composición casi bidimensional de Moises Defendiendo a las Hijas de Jetro de Rosso Fiorentino (1523), cuyas figuras parecen irreales, casi como muñecos articulados.

Tres importantes obras de Rafael de este mismo período incluyen un autorretrato (ca. 1506), su encantadora Virgen María con el Jilguero, y el Papa León X con los Cardenales Giulio de' Medici y Luigi de' Rossi. Rafael representa al Papa como un individuo e intelectual, no simplemente como un líder poderoso.

Madonna con las Arpías de Andrea del Sarto, un monumental retablo que es típico del arte del Alto Renacimiento florentino, combina la técnica suave de Rafael con la monumentalidad de Miguel Ángel y las cualidades atmosféricas de Leonardo da Vinci.

El maneirismo fue la transición del siglo XVI entre el Renacimiento y el Barroco, turbulento y lleno de movimiento, distorsionando la realidad e interpretando misticamente la piedad. En La Cena en Emaús de Jacopo da Pontormo (ca. 1525), verá la influencia de sus maestros Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto fusionados con inspiración de la obra tardía de Rafael y del arte monumental de Miguel Ángel.

Las obras del gran pintor veneciano Tiziano incluyen Venus de Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Venus y Cupido (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco María, Duque de Urbino, y La Flora, uno de sus mejores retratos de mujeres.

La Venus de Urbino es especialmente interesante por la forma en que Tiziano utiliza matices de rojo para unir las diferentes partes de la imagen de manera diagonal. Girolamo Francesco Maria Mazzola, conocido como Parmigianino, fue influenciado a su vez por Correggio, el Renacimiento romano y el Maneirismo. Madonna con el Cuello Largo, pintada entre 1534 y 1540, es un buen ejemplo de la distorsión manierista, con sus figuras alargadas y extraña luz.

Si tus ojos no se han cansado hasta ahora, mira en las galerías restantes, que contienen una variedad de obras maestras, notablemente varias de artistas venecianos. La Sagrada Familia con Santa Bárbara de Paolo Veronese refleja la opulencia de Venecia en sus tonos dorados y la rica vestimenta de la santa. Las figuras realistas y las expresiones expresivas son típicas de los pintores venecianos.

También en esta galería están la Anunciación y el Martirio de Santa Justina de Veronese, y el Retrato de un Hombre de Tintoretto. En la siguiente sala se encuentran varias más de Tintoretto. Mire también por el Cabeza de un Joven de Lorenzo Lotto (1505).

En las galerías siguientes hay obras de Van Dyck y algunas de las mejores obras de Rubens - Enrique IV en Ivry y Enrique IV Entrando en París, Isabella Brandt, y Entrada de Fernando de Austria en Amberes. En la Sala Niobe, busque la mejor escultura clásica en Florencia después de la Venus Medici, el Vaso Medici del siglo II a.C.

A lo largo de su carrera, que coincide con la Edad de Oro de la pintura holandesa, Rembrandt pintó una serie de autorretratos, dos de los cuales se exhiben en la Uffizi. A medida que documenta los cambios en sí mismo desde el joven confiado hasta el pintor envejecido, también documenta su viaje como artista. Junto a estos está su Retrato de un Anciano, pintado aproximadamente al mismo tiempo que su posterior autorretrato.

Busque aquí, también, obras de Caravaggio, incluyendo su Baco Joven, Medusa, y El Sacrificio de Isaac. El asombroso realismo de estas dos últimas obras se intensifica por el brillante sentido del drama de Caravaggio en el uso de luz y sombra.

Aunque puedes esperar que las colas para la entrada sean muy largas desde primavera hasta otoño, las más largas son los fines de semana, martes y por la mañana. Si no reservaste entradas con anticipación, a veces puedes comprarlas en la oficina de boletos del museo de la Iglesia de Orsanmichele, pero está cerrada los domingos y no hay boletos para el mismo día los fines de semana o feriados. Puede que no tengan ninguna disponible, pero vale la pena intentarlo. Las visitas por audio están disponibles, pero la pequeña guía vendida en la entrada es más detallada.

Los boletos para saltar la cola están disponibles a través de tours guiados en grupo si decides no hacerlo por tu cuenta.

Desde principios de noviembre hasta finales de febrero es la 'temporada baja' tradicional para el turismo en Florencia, así que las entradas son más fáciles de conseguir con poco aviso y los museos están menos concurridos. Mejor aún, el precio de entrada a la Uffizi baja de la tarifa alta de '20 a '12 por persona durante estos meses. Siempre que vayas, pero especialmente de mayo a octubre, reserva tus entradas con anticipación para asegurarte la entrada.

Excepto los fines de semana y feriados, puedes hacer cola esperando un espacio. Si te colocas en la fila a las 7:45am, media hora antes de que abra el museo por la mañana, hay una posibilidad de encontrar un horario disponible con boletos disponibles ese día. Pero incluso eso es poco probable que funcione en julio o agosto. Además, a veces puedes comprar boletos de Uffizi para el mismo día en la oficina del museo en la Iglesia de Orsanmichele.

Lamentablemente, no. Esa es otra razón para no visitar Florencia en julio o agosto (aunque junio puede ser igual de caluroso).

Sí, la Uffizi tiene una guardarropa gratuito. Se te pedirá que revises cualquier mochila o paquete.

Sí, puedes fotografiar para uso personal siempre que no uses flash, trípode o palo de selfies.

Sí, la Uffizi tiene una pequeña cafetería donde puedes comprar sándwiches. También puedes conseguir café (si lo bebes de pie, cuesta un tercio del precio de beberlo en una mesa).

Piazzale degli Uffizi 6 (junto a Piazza Signoria), Florencia

Sitio oficial: https://www.uffizi.it/en