Visitando el Museo del Louvre: Destacados

Un recorrido por las amplias galerías del Museo del Louvre proporciona un curso intensivo sobre el mejor arte de la civilización occidental. Aquí se exhiben algunas de las obras maestras más famosas del mundo, incluyendo la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y la Vénus de Milo.

Un gran número de las pinturas del museo pertenecieron a los distintos reyes que habitaron el Louvre cuando era una residencia real; otras piezas fueron adquiridas a través de los tratados de Francia con el Vaticano y la República Veneciana. La colección se enriqueció aún más con los restos de Napoleón I.

El museo más grande del mundo, el Museo del Louvre, alberga miles de obras de arte en un espacio de exposición de 73,000 metros cuadrados en tres secciones: las alas Denon, Richelieu y Sully, en un magnífico edificio que alguna vez fue el palacio de los reyes franceses.

Cada ala cuenta con más de 70 salas que exhiben pinturas y objetos artísticos, además de enormes salones llenos de esculturas. Es imposible ver toda la colección en un día o incluso en una semana.

Visitar el Louvre es una de las cosas imprescindibles que hacer en París. Sin embargo, la mayoría de los turistas necesitan algo de orientación para apreciar realmente el arte y su rica herencia cultural. Esta lista de 15 'destacados' del Louvre incluye contexto histórico e información detallada sobre cada pieza para mejorar tu experiencia.

Los estudiosos debaten sobre qué hace que la Mona Lisa sea una de las pinturas más renombradas del mundo. Una explicación es el sentido de misterio.

Aunque la identidad de la persona representada no está clara, se piensa que la mujer retratada es Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo (un comerciante de seda en Florencia, Italia). Por esta razón, el nombre italiano de la pintura es La Gioconda, que se traduce como La Joconde en francés.

Otra explicación para la celebridad de la pintura es la enigmática sonrisa del sujeto, que podría simbolizar el ideal de la felicidad. Su cautivadora expresión y mirada de reojo tienen la forma de encantar a los espectadores. Los observadores notan cómo la Mona Lisa parece estar mirándoles desde cualquier lugar donde se encuentran en la sala.

Muchos visitantes vienen al Louvre solo para ver esta pintura, sin duda la obra de arte más famosa del museo. Creada por Leonardo da Vinci alrededor de 1503, la pequeña pintura en la Salle des États (Sala 711) está cubierta con una capa adicional de plexiglás y suele estar rodeada por una multitud de turistas intentando vislumbrarla.

Para tener una mejor apreciación de esta pintura, es una buena idea participar en un tour a pie de grupos pequeños, sin colas, del Louvre dirigido por un guía conocedor. El tour permite a los participantes saltarse las largas filas de entrada al museo y dirigirse directamente a las obras imprescindibles, aprovechando al máximo el tiempo que se pasa en el museo.

Paolo Caliari (conocido como Véronèse) creó Les Noces de Cana en 1563, por encargo del Monasterio Benedictino de San Giorgio Maggiore en Venecia.

La pintura más grande del Museo del Louvre, este inmenso lienzo de seis metros de alto por diez metros de ancho cubre toda una pared de la galería del Louvre de piso a techo. Originalmente, iba a decorar el refectorio del monasterio veneciano.

Les Noces de Cana (La Cena de Bodas en Cana) es una composición magistral que retrata la escena de la boda bíblica en Cana de Galilea, el evento según el apóstol Juan cuando Cristo realiza el milagro de convertir agua en vino.

La notable composición de más de 100 figuras logra verse armoniosa en vez de abarrotada. La novia y el novio están sentados al final de la mesa de banquete en el lado izquierdo. Cristo está en el centro rodeado por sus discípulos. Venecianos contemporáneos se mezclan con personajes bíblicos en turbantes orientales.

La asombrosa atención al detalle del artista se ve en la minutia realista, como el drapeado de los espléndidos trajes venecianos. La escena llena de acción está repleta de sorpresas: un enano sosteniendo un periquito (lado inferior izquierdo), pequeños pájaros, perros amigables, y un gato divertido (lado inferior derecho) que parece ser un invitado no deseado mientras afila sus garras en una jarra de agua.

La Vénus de Milo se encuentra en la Galerie des Antiques, en la Salle de la Vénus de Milo (Sala 345), una suntuosa galería del siglo XIX revestida de mármol rojo.

Esta cautivadora estatua, también conocida como Afródite, representa el ideal griego de belleza. Creada alrededor del 100 a.C., la estatua de la diosa refleja la estilización del período helenístico tardío.

La obra ha hipnotizado al mundo del arte desde que fue descubierta en la isla griega de Milo ("Melos" en griego antiguo) en 1820 y fue presentada a Luis XVIII.

Lo que hace que esta estatua sea una obra maestra es la composición equilibrada, el sentido del espacio y la forma en que el drapeado cae sobre las caderas de la diosa. Desafortunadamente, las piezas de mármol que faltan dificultan la identificación y comprensión completa de la estatua.

Los historiadores del arte han intentado imaginar cómo estaban posicionados sus brazos y dónde podría haber estado de pie. Algunos creen que pudo haber sostenido una manzana, una corona o un escudo. Otra hipótesis es que Venus sostenía un espejo en una mano para admirar su reflejo.

Una obra maestra del arte helenístico, esta monumental escultura clásica es impresionante de contemplar. Presentada en su propio espacio en la parte superior de la grandiosa Escalera Daru, la Victoire de Samothrace (Victoria Alada) tiene una manera de cautivar a los visitantes cuando giran la esquina y vislumbran la estatua.

Situada en una postura valiente en la proa de un barco, la diosa alada de la victoria (Nike) dirige un barco navegado a través de intensas ráfagas de viento. Creada alrededor del 190 a.C., se pensaba que la diosa alada de la victoria fue encontrada en la isla de Samothrace y se cree que es una ofrenda religiosa de los habitantes de Rodas en conmemoración de una victoria naval.

La figura de la diosa está representada con tal precisión que es difícil creer que fue esculpida 2000 años antes de la fotografía y el modelado gráfico en 3D. La composición en espiral crea el efecto de movimiento vigoroso, con las alas sujetas hacia atrás y la pierna derecha colocada delante de la izquierda.

Gracias a los sutiles detalles escultóricos, la diosa parece estar empapada en agua. Su vestimenta tiene el efecto realista de un tejido ligero que se adhiere a sus caderas y piernas, revelando la forma del cuerpo femenino desnudo. Al mismo tiempo, una brisa hace que la túnica drapeada de la diosa ondee, lo que aporta una impresionante sensación de realismo.

Napoleón I encargó a Jacques-Louis David crear esta majestuosa pintura como un documento de su ceremonia de coronación. Napoleón se proclamó emperador en mayo de 1804 tras un golpe de estado después de sus exitosas campañas militares en Italia y Egipto.

La ceremonia de coronación se llevó a cabo de acuerdo con el protocolo de coronar a un rey en la tradición monárquica francesa. Sin embargo, Napoleón se coronó a sí mismo mientras miraba a la congregación en lugar de ser coronado por el Papa, para hacer una declaración sobre su independencia de la iglesia.

Jacques-Louis David asistió a la ceremonia de coronación del 2 de diciembre de 1804 en la Catedral de Notre-Dame en París. Desde 1805 hasta 1808, el artista creó esta pintura increíblemente detallada y realista del evento, completa con 146 personas presentes.

La Coronación del Emperador Napoleón I abarca un lienzo de tamaño sobredimensionado de seis metros por diez metros; sus grandiosas proporciones dan a los espectadores la impresión de estar realmente presentes en la ceremonia de coronación. Al ver la pintura, se dice que Napoleón hizo una declaración en referencia a su grandeza y realismo: "¡Uno puede caminar a través de esta pintura!"

David representa la ceremonia con precisión mientras cumple con la solicitud de Napoleón de transmitir un mensaje simbólico y político, glorificando el evento para darle un lugar único en la historia.

Les Salles Rouges (Salas Rojas) exhiben La Coronación del Emperador Napoleón I y otras prestigiosas pinturas históricas, como Madame Récamier de Jacques-Louis David, Le Radeau de la Méduse (La Balsa de la Medusa) de Théodore Géricault, Mademoiselle Rivière de Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Liberté Guidant le Peuple (Libertad Guiando al Pueblo), y La Mort de Sardanapale (Muerte de Sardanápalo) de Eugène Delacroix.

Esta evocadora pintura ilustra uno de los eventos más importantes de la historia francesa, el levantamiento parisino de julio de 1830, cuando los republicanos de Francia lideraron una revuelta contra el gobierno de la Segunda Constitución.

Delacroix pretendía que La Liberté Guidant le Peuple (Libertad Guiando al Pueblo) resaltara los valores de la Revolución de 1789 y el ideal de soberanía popular. La creación de esta pieza fue un acto patriótico, ya que Delacroix creía apasionadamente en la causa republicana.

La figura alegórica de la Libertad es representada como una mujer fuerte e inspiradora con el pecho desnudo (la desnudez es común en las pinturas históricas francesas), sugiriendo un linaje hacia una diosa griega clásica. La evidencia de su determinación y espíritu luchador se muestra en cómo sostiene una bandera francesa con una mano y un rifle de infantería con la otra.

La figura de la Libertad emerge victoriosamente de un oscuro fondo humeante y parece estar bañada en luz, simbólica de su iluminación moral. Delacroix aporta una profunda interpretación emocional y romántica a la pintura y, al mismo tiempo, una calidad realista.

De todas las esculturas en la iluminada Galerie Michel-Ange (Sala 403), esta es la más encantadoramente representada. Esta escultura, Psyche Revived by the Kiss of Love (también titulada L'Amour et Psyché en francés), fue inspirada por la historia mitológica de Cupido y Psique de las Metamorfosis de Ovidio.

En esta historia, Cupido ve a Psique, quien ha caído en un hechizo de sueño después de inhalar una poción prohibida. Cupido se acerca suavemente a Psique, a punto de besarla. Luego Psique se despierta y con languidez abraza a Cupido. Este es el tierno momento capturado en esta encantadora obra maestra.

Antonio Canova creó una pieza llena de emoción, típica de la escultura neoclásica romántica. Al mismo tiempo, la escultura es tan precisa que las figuras parecen cobrar vida.

Observa el fino esculpido de las alas de Cupido, el carcaj lleno de flechas y la ornamentación en la ánfora. Admira cómo Cupido sostiene el cuello de Psique y la curva de su cadera mientras se vuelve para abrazarlo, todo mostrado con un perfecto sentido de proporción y movimiento.

Los rasgos meticulosamente cincelados y los detalles anatómicos como el ombligo de Psique y sus delicados dedos de los pies añaden un sentido de autenticidad, creando una impresión de que las figuras están hechas de carne en lugar de mármol.

Esta pintura emblemática del "Rey Sol" fue creada en 1701 por el artista de retratos reales franceses Hyacinthe Rigaud. La pintura estaba originalmente destinada a ser un regalo para Felipe V de España, sin embargo, la Corte francesa le gustó tanto que la pintura nunca fue enviada al Rey español.

Representado en exquisito detalle, el retrato muestra a Luis XIV como la imagen definitiva de poder absoluto. El opulento fondo y las impresionantes vestiduras de coronación del Rey simbolizan su grandeza. Luis XIV tenía 63 años cuando se pintó este retrato.

Observa la riqueza de la túnica del rey, que está bordada con flores de lis, el símbolo real. En el fondo, una corona reposa junto al rey en un taburete. Esta pintura fue diseñada para recordar al espectador la autoridad de Luis XIV.

Renoir consideraba la pintura de Jan Vermeer La Dentellière como una de las más bellas del mundo. La Dentellière fue creada por Vermeer alrededor de 1669 o 1670.

El motivo del encaje se utilizaba frecuentemente en las pinturas holandesas del siglo XVII para simbolizar las virtudes femeninas tradicionales. En primer plano de la pintura hay un pequeño libro que probablemente es una Biblia, lo que da a la pieza otra capa de sugerencia moral y religiosa.

Vermeer amaba pintar escenas de la vida cotidiana y era hábil en la representación de objetos familiares de una manera atractiva. La joven mujer (probablemente la esposa de Vermeer) es mostrada concentrada en su minucioso trabajo de encaje.

El hilo entre los dedos de la mujer y los alfileres y bobinas forman el punto focal central de la pieza. Los objetos se vuelven más difusos en el fondo, imitando el campo óptico natural del ojo humano.

Vincent van Gogh elogió esta pintura por su armoniosa mezcla de colores, que se puede ver en el vibrante cojín de costura y los hilos multicolores.

Los Chevaux de Marly (Caballos de Marly) fueron encargados por el Rey Luis XIV para el estanque de caballos del Château de Marly. Creada entre 1739 y 1745, esta escultura monumental de mármol de Carrara es una imagen más grande que la vida de dos caballos restringidos por sus cuidadores.

El escultor, Guillame Coustou, probablemente se inspiró en las estatuas romanas antiguas que se encontraban frente al Palacio del Quirinal en Roma, que muestran a los semidioses Cástor y Pólux esforzándose por domar a sus caballos. Aludiendo a esta referencia clásica, los Caballos de Marly simbolizan la lucha entre el hombre y la naturaleza (representada por un caballo indómito).

Exhibido en el encantador Salon Carré (Sala 708) del Louvre, el Coronación de la Virgen es una de las obras maestras de la pintura medieval del Louvre. Guido di Pietro, conocido como Fra Angelico, creó esta obra entre 1430 y 1432 y se utilizó originalmente como un retablo para el convento de San Domenico en Fiesole, cerca de Florencia.

El tema de la Coronación de la Virgen estaba muy comúnmente representado en el arte durante el siglo XIII, y este ejemplo muestra una excepcional delicadeza y brillantez artística.

La suntuosa pintura ilustra la Asunción de la Virgen María mientras es recibida en el cielo y coronada por Cristo, quien es mostrado sentado muy por encima de la multitud de observadores en un trono accesible por escalones de mármol.

La escena se representa con un detalle increíble y en tonos luminosos. Por ejemplo, Fra Angelico pintó los nueve escalones de mármol en diferentes colores. Una abundancia de dorado se encuentra en todo, en el trono de Cristo, así como en los auras de los ángeles, que parecen sugerir una corte real en el cielo.

Creada alrededor de 1635, El Trampas con el As de Diamantes ocupa un lugar de honor entre los Pintores de la Realidad del siglo XVII de Francia. El estilo característico de realismo de Georges de La Tour da vida a la escena de cuatro personas reunidas alrededor de una mesa jugando a las cartas.

Los intrincados detalles de la pintura y la sutil expresión de emociones aportan autenticidad, permitiendo a los espectadores sentirse como espectadores de un verdadero juego de cartas. Como espectadores, nos surge una sensación de curiosidad y anticipación sobre lo que sucederá a continuación.

Observamos cómo el sujeto de la pintura, un joven vestido de manera llamativa con un gorro de plumas, está a punto de ser engañado. En una composición inusual, el sujeto es representado en el extremo derecho (en lugar del centro) de la pintura, en un espacio aparte de los demás.

Mientras tanto, el otro grupo de tres personas parece compartir un secreto, evidenciado por sus movimientos de ojos hacia los lados. La mujer con el escote bajo atrae la atención del espectador con su mirada sigilosa. Ella está comunicándose silenciosamente con el jugador (el tramposo) en el lado izquierdo de la pintura que saca discretamente una carta de as de diamantes de debajo de su cinturón, que será la carta "ganadora".

Un aspecto intrigante de esta pintura: el tramposo parece mirar hacia el espectador, como si supiera que está siendo observado. Como espectadores, atrapamos al tramposo y a sus cómplices en su acto de fechoría. Georges de La Tour utiliza esta escena para contarnos un drama moral sobre los pecados de la lujuria, el alcohol y el juego.

Una pintura impresionante, el Retrato del Artista Sosteniendo un Cardo fue uno de los primeros autorretratos independientes en la pintura europea. Albrecht Dürer creó este retrato de sí mismo en 1493, cuando solo tenía veintidós años. El artista sostiene un cardo, que representa la fidelidad a su prometida o una alusión a la Pasión de Cristo.

La composición de un busto a tres cuartos era típica de la pintura de retratos en el siglo XVI. Los espectadores pueden detectar cierta torpeza en el retrato, porque el artista estaba trabajando a partir de su reflejo en el espejo.

Estas expresivas estatuas son obras maestras de Miguel Ángel, mostrando su genialidad técnica y profundidad emocional. El par de esculturas, L'Esclave Mourant (El Esclavo Moribundo) y L'Esclave Rebelle (El Esclavo Rebelde), se encuentran en la Galerie Michel-Ange (Sala 403), una amplia galería con grandes ventanas que permiten que la luz natural ilumine el espacio.

Ambos están encadenados y se muestran desnudos para enfatizar su vulnerabilidad, pero los dos esclavos transmiten emociones muy diferentes. El Esclavo Moribundo parece estar en un profundo sueño eterno, mientras que el Esclavo Rebelde está distorsionado en una lucha violenta. Algunos historiadores del arte han interpretado las esculturas como un símbolo del alma humana que está encadenada por el cuerpo.

Miguel Ángel comenzó a trabajar en las estatuas en 1513 como parte de un proyecto monumental para crear una tumba para el Papa Julio II. Sin embargo, el proyecto se retrasó y eventualmente fue descartado. Esta es una posible razón por la cual las estatuas están inacabadas, con marcas del cincel aún visibles.

Otra explicación es que Miguel Ángel sintió que había alcanzado el máximo potencial artístico del bloque de mármol en bruto. De hecho, hay algo poético en la imagen de los esclavos esperando ser liberados del mármol.

El símbolo definitivo de grandeza y soberanía, las coronas de coronación de Francia reflejaban la riqueza y el poder de los monarcas franceses, así como la gloria del emperador Napoleón I y Napoleón III. Las coronas fueron hechas a medida para cada rey y adornadas con joyas preciosas.

Asegúrate de ver la Couronne de Louis XV (Corona de Luis XV), que presenta dos filas de perlas y ocho gemas (esmeraldas, zafiros, rubíes y topacios) alternando con brillantes diamantes. Los arcos de la corona están decorados con flores de lis de diamantes, el emblema de los monarcas franceses desde el siglo XII.

Para quienes gustan del brillo, el diamante de 140 quilates "le Régent" (el "Regente") no se puede perder. Esta deslumbrante gema es uno de los diamantes más finos y brillantes del mundo, apreciada por su perfección.

Una pieza que perteneció a la hija mayor (y única hija sobreviviente) de Luis XVI y María Antonieta, el Diadème de la Duchesse d'Angoulême (Tiara de la Duquesa de Angulema) es una deslumbrante pieza decorada con diamantes y esmeraldas.

La majestuosa Couronne de l'Impératrice Eugénie (Corona de la emperatriz Eugénie) ejemplifica las joyas suntuosas del Segundo Imperio. El joyero imperial Alexandre-Gabriel Lemonnier creó esta brillante corona con 2,480 diamantes dispuestos en forma de palmetas y flanqueada por 56 esmeraldas preciosas.

Las joyas de la corona se exhiben en la recientemente renovada Galerie d'Apollon (Ala Denon, Sala 705), que reabrió en 2020. Esta galería extravagantemente adornada fue creada en el siglo XVII por Louis Le Vau, arquitecto del Château de Versailles, y Charles Le Brun, pintor oficial de Luis XIV. La espléndida decoración de la galería rivaliza con la belleza de las gemas que se encuentran en las exhibiciones. En el siglo XIX, Eugène Delacroix completó la pintura del techo central de la galería.

La entrada principal al Louvre se encuentra en el patio central en la Pirámide del Louvre. Diseñada por el arquitecto Ieoh Ming Pei y abierta en 1989, esta icónica pirámide de 22 metros de altura está construida con 675 paneles de vidrio, inundando el espacio interior de luz natural.

La Pirámide permite el acceso al Cour Napoléon, donde se encuentran la taquilla y la oficina de información.

Existen maneras más rápidas de ingresar al museo (desde el Carrousel du Louvre o la entrada de la Rue de Rivoli), pero la Pirámide de Cristal es la entrada más dramática a la fabulosa colección de bellas artes del Louvre.

Las fundaciones originales del Louvre se encuentran en la sección Medieval del Louvre, a la que se accede a través de la Pirámide y el ascensor que lleva al ala Sully. Esta área subterránea revela la fortaleza medieval que fue creada para el Rey Felipe Augusto en 1190.

Los visitantes pueden ver las antiguas fundaciones, los restos del foso medieval y las mazmorras, así como la Salle Saint-Louis (construida entre 1230 y 1240), el único vestigio restante del edificio principal de la fortaleza medieval.

Varias salas en la sección Medieval del Louvre exhiben documentos, modelos y pinturas relacionadas con la historia del Louvre.

La sombría fortaleza medieval del Louvre fue mejorada bajo Carlos V, Carlos VI y Enrique II, y transformada en un palacio real mucho más impresionante y lujoso por Luis XIII y Luis XIV. La Salle des Caryatides es un grandioso salón de recepción creado para el Rey Enrique II.

La Chambre de Parade du Roi (Sala 25 del departamento de Antigüedades egipcias) es el dormitorio donde Carlos IX y Enrique III saludaban a la corte cada mañana. La Salle des Sept-Cheminées (Sala 74 del departamento de Antigüedades griegas, etruscas y romanas) fue el apartamento real de Luis XIV hasta que trasladó su palacio a Versalles.

Incluso después de que el Louvre dejó de ser un palacio real, fue utilizado para propósitos oficiales por Napoleón III. Los visitantes también pueden ver el opulento Gran Salón y los Comedores de los Appartements Napoléon III (Ala Richelieu, Sala 544). Ejemplificando el estilo del Segundo Imperio, la lujosa decoración presenta candelabros brillantes, molduras doradas, trabajos decorativos en estuco, cortinas de seda, muebles de terciopelo y hermosos techos pintados de manera ornamentada.

Otra sala de visita obligada en el museo es la Galerie d'Apollon. Este glorioso salón de recepción tiene una espectacular pintura en el techo que fue comenzada por Charles Le Brun, rindiendo homenaje a Luis XIV, el Rey Sol. La porción que no fue completada por Le Brun, el impresionante panel central que representa Apollo Slaying the Serpent Python, fue pintado por Delacroix en 1851.

Dirección: Rue de Rivoli, 75001 París